出版物是时代潮流的风向标。近年来，与日本设计有关的佳作频出，也是日本设计成功输出的一种表现。事实上，自19世纪末以来，日本就通过优秀的设计作品和独特的设计理念，吸引、俘获了一大批热爱、研究日本设计的西方人——艺术专业的研究者，以及商人、建筑师、医生、记者等等。艺术评论家帕崔西亚·格拉汉姆的《日本设计：艺术、审美与文化》正是从西方人的角度对日本设计进行了归纳与总结。这里的“日本设计”，作为一个观念整体，包括建筑、器物、服饰、书画作品等各个层面的设计理念。格拉汉姆的研究始于纳尔逊—阿特金斯艺术博物馆（Nelson-Atkins Museum of Art）的日本艺术品。该博物馆是美国最著名的艺术博物馆之一，以丰富的亚洲艺术藏品而闻名。20世纪80年代中期至整个90年代，格拉汉姆为博物馆导览员以及公众做相关内容的讲解，并参与了日本展厅的重新布置和陈列工作，可以说，对这些艺术品的来龙去脉有深厚的理解。
《日本设计：艺术、审美与文化》
[美]帕崔西亚·J.格拉汉姆 著，生活·读书·新知三联书店 2017-7
ISBN: 9787108058614
欣赏并接受一种异质文化，首先须对它有一个总体的把握，这构成了格拉汉姆关注的焦点，即辨析日本设计的审美趣味和文化背景。
格拉汉姆总结日本设计的审美特点，包括“渋い”“侘寂”“粹”“間”“雅与風流”“華麗”“傾く与婆娑羅”“濃淡”“琳派”“民艺”等。这些都成为当今最具代表性、使用最为广泛的日本美学及设计词汇，其中的多数词汇直到20世纪60年代才成为西方文献中的通用术语。作者在讲述这些术语时，除了探究其本源，着眼点还在于这些词汇是如何传播的，尤其是在西方。比如侘寂。“侘”（wabi）与“寂”（sabi）这两个词与茶道有着深厚的渊源，茶道中“侘”所包含的意思通常被认为是源自禅宗思想里的“脱俗”“简素”“清净”“谦卑”，含有苍凉孤寂之意，也体现了对于自然的缺憾所带来的质朴之美的欣赏与体悟。“寂”最早出现在8世纪的《万叶集》中，用来表达一种对于精美的事物随着岁月的变迁而逝去的感伤之情。到了11世纪，出现了另外一个形容这种情绪的词，即“物哀”。
西方人对“侘寂”的迷恋始于日本茶道大家冈仓天心，他撰写的《茶之书》赋予茶道以禅之味。这本书中并没有出现“侘寂”一词，但却为这种日式特有的审美趣味做了一个铺垫。后来者铃木大拙和日本民艺运动领导人柳宗悦都将这一概念发扬，并将这种审美趣味命名为“侘寂”。柳宗悦还进一步将“侘寂”与另一个美学词汇“渋い”同等看待。“渋い”，字面意思就是涩之美，为简素、洗练之意。
“侘寂”一词在美国全面传播开来，还有赖于美国媒体人伊丽莎白·戈登（Elizabeth Gordon）。她于1941年至1964年间担任著名的《美丽家居》（House Beautiful）杂志的主编。作为一名编辑，戈登希望这本面向时尚人士的杂志，不仅仅呈现时尚潮流，更要切实地引领人们将潮流融于生活。戈登曾去日本拜访柳宗悦，受其影响，她制作了关于“渋い”的特刊，使得“侘寂”和“渋い”这两个词在大众中得到了进一步普及。当然，设计潮流无非是生活方式的一种反映。彼时，二战后的美式生活形态正遭诟病，经济学家约翰·肯尼思·加尔布雷思（John Kenneth Galbraith）在其名著《富足社会》（The Affluent Society）中就曾针对战后美国式富足提出了批评。戈登所提倡的这种日式审美趣味正好迎合了社会新动向。此后，设计与美学顾问李欧纳·科仁（Leonard Koren）于1994年出版了《侘与寂：给艺术家、设计师、诗人以及哲学家》（Wabi-Sabi: for Artists, Designers, Poets and Philosophers）一书，对比了日本与西方在审美倾向上的差异，也使“侘寂”的概念得到广泛传播。“侘寂”成为矫正挥霍生活的一种利器，成了各个领域的设计师，包括一些奢侈品生产商所追逐的准则。现在，几乎任何简约而富于暗示性的事物，任何以质感朴素、古旧、自然的材料做成的产品都会被冠以“侘寂”的概念。
格拉汉姆意识到，日本设计尽管风格各异，但在审美原则上却有着很强的辨识度，例如茶道美学在极其广泛的层面上对日本社会产生了重要的影响，这种美学特质覆盖了民间工艺（茶器）、建筑（茶寮），乃至服饰、生活方式等各个方面。格拉汉姆进一步探究日本设计背后的文化特质，例如日本的宗教观。佛教是日本人崇尚的宗教之一，佛家的无常论对“物哀”的审美趣味就有着直接的影响。日本的艺术家精于描绘季节性很强的自然景物，例如樱花；也热衷于描绘年轻女子的容颜，从而抒发对时光流逝的感怀，这就是浮世绘。日本本土的神道教，它对日本审美趣味的影响也是显而易见的。神道教主张多神泛灵论，敬畏自然，也因此，我们能在很多日本视觉艺术中看到自然的元素，诠释着四季更迭之美。
格拉汉姆还在书中大量引用了19世纪以来西方有关日本设计的文献资料，重点关注西方人是如何认识、传播日本设计的。美国人于1854年强行打开日本国门，自此以后，日本的艺术和手工艺品就被西方人广泛收藏，并对西方各领域的艺术家、手艺人和设计师产生了影响，这波浪潮一直延续到二战结束后的头几年。这些艺术品催生了艺术与工艺美术运动及新艺术运动。这一源自日本的设计风格在法语中被称作“日本主义”（Japonisme），由法国艺术评论家、收藏家菲利普·比尔蒂创造。他正是格拉汉姆考察的28位与日本设计有关的人物之一。这些人物活跃的时间跨度从19世纪30年代至20世纪50年代，正是他们将日本的审美和设计理念介绍到了西方世界。
格拉汉姆认为，虽然这28位西方人欣赏的艺术类型十分相似，但他们所写的东西却“反映出各自不同的兴趣、关注的重点与观点，因而对日本文化和艺术的看法也呈现出多元的面貌”。例如，19世纪末美国艺术教育家约翰•韦斯利•道，他很推崇歌川广重和葛饰北斋的风景版画，开始尝试木版画创作，并成为第一位完善木版画刷版技术的美国艺术家。再如被西方世界视为“日本研究之父”的德国人菲利普·弗朗茨·冯·西博尔德。他其实是一名热衷于日本艺术的医生，拥有超过五千件日本艺术藏品，它们后来成为荷兰国立民族学博物馆（Museum Volkenkunde）的主要内容。更有因为热爱日本文化而加入日本国籍的希腊人拉夫卡迪奥·赫恩，他的日文名为“小泉八云”。小泉八云写了大量书籍和文章，向西方读者介绍日本人的日常生活和习俗，其中的一系列文章发表在《大西洋月刊》等杂志上，这些文字增进了西方人对日本人精神世界的了解。
正如格拉汉姆在前言中所述，关于日本设计的历史、艺术风格的沿革和个体艺术家的风貌，并非本书的重点。她着意于第三者的视角，对日本设计做一些补充性的介绍，却“意外”地切中肯綮，提供了对日式审美和日本文化的另一种理解之道。
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